La poursuite en voiture enneigée était miniature, murs LED
Vers VFX ou pas VFX : c’est une question à laquelle chaque émission de télévision doit répondre différemment. La série Netflix Sweet Tooth, qui se déroule dans un monde où un virus a anéanti une grande partie de l’humanité et, peut-être ou non par coïncidence, des hybrides homme-animal sont en train de naître, a une philosophie tactile et pavée dans ses choix de conception. Le look de la série illustre non seulement le caractère aléatoire de la quête de survie, mais sert également d’argument pour tout ce qui fait de son jeune hybride homme-cerf, Gus (Christian Convery), un héros. Construire trop de ce monde dans un environnement numérique l’aplatit et le rend trop fluide.
Cela dit, la conclusion de la dernière saison de la série comportait de grosses configurations qui dépassaient pratiquement le sommet. La façon dont « Sweet Tooth » a combiné les techniques de la nouvelle école et de la vieille école est un excellent exemple de la façon dont les outils du cinéma peuvent s’assembler pour créer le bon look.
Ce n’est pas que les prises de vue pratiques soient toujours meilleures que les prises de vue VFX. Le fait est que le superviseur des effets visuels Matthew Bramante et le concepteur de production Nicholas Barrett se sont concentrés sur leur collaboration pour résoudre quelques problèmes persistants de la saison 3. À savoir, la Nouvelle-Zélande, où la série a été tournée, a une saison de neige très limitée et peu d’endroits qui ressemblent à l’Alaska, où Gus et ses amis voyagent pour retrouver leur mère scientifique Birdie (Amy Seimetz). La course entre Gus et ses amis et l’impitoyable Helen Zhang (Rosalind Chao) et son armée pour trouver la grotte qui pourrait contenir les réponses devait être organisée.
Curieusement, la grotte de Gus dans « Sweet Tooth » a fourni les réponses sur la façon de tourner l’une de ses séquences les plus ambitieuses, une poursuite en voiture à indice d’octane élevé (enfin, un camion de neige). Des morceaux de l’ensemble de la grotte ont été littéralement retournés sur le côté pour financer un chèque que le showrunner Jim Mickle avait écrit dans les scripts. C’est en repositionnant l’ensemble de la grotte que l’équipe de « Sweet Tooth » a créé « Out : Snowy Canyon », à travers lequel nos deux héros et la course des méchants. C’était une réponse que Barrett pensait pouvoir trouver en partie grâce à l’expérience partagée que l’équipe avait travaillée ensemble pendant trois saisons. Lorsque Bramante a pensé qu’il pouvait utiliser des miniatures – essentiellement des voitures RC équipées de kits – il y avait une confiance partagée pour tenter le coup.
« Travailler ensemble pendant trois saisons a permis à chacun de faire confiance à un certain processus et de dire : « Nous pouvons le faire ». Nous ne paniquons pas. Nous n’avons pas encore de solution, mais nous la trouverons. Et puis Jim pourrait dire : « La miniature a l’air cool, nous devrions la faire », a déclaré Barrett à IndieWire. « Mais je me souviens que si nous ne le faisons pas, toute la série se termine par un CGI. une voiture qui roule dans un environnement factice et personne n’aime ça. »
« Sweet Tooth » a joué avec l’utilisation de miniatures au cours des saisons précédentes, mais quelque chose dans le décor enneigé a contribué à en faire la bonne solution pour la dernière étape du voyage. « Lorsque vous survolez des glaciers, c’est vraiment une question d’échelle », a déclaré Mickle à IndieWire. « Vous pouvez survoler une croûte de pizza si vous n’avez rien à dire qu’elle fait en réalité 12 terrains de football de large. Tout est une question d’échelle. »
« Sweet Tooth » a été filmé sur quatre scènes, et ils ont pu créer des environnements miniatures sur une scène juste à côté de l’endroit où les intérieurs des véhicules grandeur nature ont été tournés. « Il y avait la possibilité d’être très cohérent car il y avait littéralement différentes parties du dernier épisode tournées les unes à côté des autres. Je pense que cela a fait une telle différence », a déclaré Barrett.
Plusieurs ajustements majeurs apportés aux murs LED du spectacle ont également modifié toutes les séquences d’Alaska. Barrett et son équipe de production ont donné au moule un sol enneigé, puis ont brûlé les bords afin que les LED puissent s’asseoir derrière le décor et rendre la transition fluide.
« C’était génial parce que je pense que l’une des choses les plus délicates, c’est quand on filme avec des acteurs, [can] montrez-leur un aperçu de toute cette séquence et dites : « C’est ce que nous faisons », mais c’est très difficile de savoir quelle partie vous faites », a déclaré Mickle. « Donc, notre réalisateur ou producteur de la deuxième unité a fait ces plans au ralenti de l’extérieur du camion, et nous pourrions prendre et montrer littéralement aux acteurs ce qui se passe. »
Une telle clarté et une telle communication, très « doucement », ont conduit à bien plus amusant et la créativité était également au rendez-vous. « Nous n’avions personne dans notre équipe qui était un expert en miniatures. Tout le monde en avait fait un peu ou avait lu des choses à ce sujet, mais personne n’avait été recruté en tant qu’expert. Nous avons donc simplement utilisé nos fabricants d’accessoires, nos opérateurs et nos techniciens intelligents qui Je pourrais juste le comprendre. C’est amusant que vous puissiez encore le faire », a déclaré Barrett.
« Il y avait une version de celui-ci qui, je pense, s’il s’agissait d’un film classique à gros budget, aurait été tout simplement très chère, mais aussi impersonnelle d’une certaine manière. J’ai donc vraiment aimé le rendu », a déclaré Mickle. Chacun a dû jouer les uns avec les autres et adapter les activités de son service, mais d’une manière qui ressemblait véritablement à un travail d’équipe. Du genre : « Nous savons ce que nous voulons faire. » Faisons-le.' »
