10 meilleurs films père-fils
Toute relation familiale (mère/fille, père/fille, mère/fils, frère/sœur) est une matière fertile pour tout film, mais aucune n’est aussi largement pillée que la dynamique père/fils. On peut peut-être blâmer le patriarcat pour le fait que l’expérience masculine est beaucoup plus axée sur la fiction, ce qui donne lieu à des films dans lesquels les filles et les mères ont tendance à être mises à l’écart au profit des drames entre maris.
Pourtant, les cinéastes et leur travail répondent à la culture imparfaite dans laquelle nous vivons tous, et la relation entre père et fils peut servir de véhicule pour explorer des idées puissantes à l’écran. Les attentes familiales, la pression pour préserver un héritage et la répression émotionnelle qui définit souvent les relations hétérosexuelles masculines façonnent bon nombre des meilleures histoires de père du cinéma, qui peuvent souvent être réduites à des drames (quelque peu réducteurs) sur la « question papa ». Cependant, dans le meilleur des cas, les films père-fils disent quelque chose sur la manière dont la culture façonne notre compréhension de la masculinité et brise les murs machistes que les hommes construisent autour d’eux pour explorer des histoires d’amour sincères et sincères qui peuvent rendre n’importe quel public heureux. confusion. Poursuivez votre lecture pour découvrir les 10 meilleurs films père-fils de tous les temps.
L’enfant (1921)
La famille n’est pas toujours celle à laquelle vous êtes biologiquement lié. Parmi les premiers films à explorer cette vérité figure le premier classique de Charlie Chaplin, The Kid, son premier long métrage de réalisateur. Jackie Coogan, peut-être la première enfant star d’Hollywood, incarne l’enfant du titre, qui est abandonné alors qu’il n’est qu’un bébé par sa mère dévastée et qui finit sous la garde du Clochard pauvre mais gentil de Chaplin. Les années passent et ils vivent dans la pauvreté, mais sont heureux lorsqu’ils enfreignent la loi et retrouvent leur mère, qui est désormais riche et souhaite retrouver son enfant. Comme la plupart des meilleurs films de Chaplin, The Kid mêle rires superflus et mélancolie, et le lien tendre entre la star du muet et le jeune Coogan confère au film une puissance émotionnelle inattendue.
« Voleurs de vélos » (1948)
Le drame néoréaliste révolutionnaire de Vittorio De Sica a redéfini le cinéma en mettant l’accent sur l’authenticité brute plutôt que sur le drame élaboré. Son regard sobre sur la vie des pauvres dans la Rome d’après-Seconde Guerre mondiale est fascinant et s’effondrerait si la dynamique centrale de Lamberto Maggiorani entre Antonio pauvre et son fils, le doux Bruno (Enzo Staiola), se sentait forcée ou ringarde. . Ils finissent par être la relation centrale du film, travaillant ensemble pour retrouver le vélo d’Antonio après qu’il ait été volé dans la rue afin qu’il puisse se mettre au travail en publiant des factures publicitaires et sauver sa famille de la famine. Heureusement, les performances de Maggioran ou de Staiola n’ont rien de précieux, car De Sica trouve un lien authentique entre ses acteurs non professionnels. Leurs performances brillent particulièrement lors de la finale déchirante du film, qui dépeint efficacement l’expérience universelle de découvrir que le parent que vous admirez n’est qu’une autre personne imparfaite.
« À l’Est d’Eden » (1955)
Le premier rôle principal de James Dean est peut-être un peu moins emblématique que son mauvais garçon torturé dans Rebel Without a Cause, mais il exploite un or similaire en incarnant le mouton noir oublié dont le fait de ne pas être à la hauteur des attentes de son père lui donne un gros avantage. épaule. Le mélodrame brumeux d’Elia Kazan prend le drame familial épique de John Steinbeck et son intrigue d’une décennie et le réduit pour se concentrer sur Caleb de Dean, le fils maussade du fermier pieux de Raymond Massey qui se sent constamment éclipsé par son frère plus responsable, Aron (Richard Davalos). La découverte par Caleb de sa mère perdue depuis longtemps en tant que propriétaire de bordel et sa poursuite de la fiancée d’Aron, Abra (Julie Harris), font remonter à la surface le ressentiment entre lui et son père, et Dean et Massey sont tous deux dévastateurs en tant que deux hommes qui s’aiment. l’autre profondément, mais se révèle totalement incapable de le montrer.
« Le Parrain » (1972)
« Le Parrain » est un test cinématographique si classique qu’il est facile d’oublier à quel point le film est simple. Au cœur du film emblématique de Francis Ford Coppola se trouve l’histoire d’un père et d’un fils qui finissent par incarner ses défauts ; il se trouve que « incarner ses défauts » signifie dans ce cas « devenir un chef de la mafia impitoyable ». Al Pacino est Michael, le mouton blanc de la famille Corleone, un Marine qui ne veut rien avoir à faire avec l’entreprise criminelle que son père, l’aimant mais impitoyable Vito (Marlon Brando), s’est construit. Mais il se lance dans le business lorsqu’il déjoue un incident sur la vie de son père et finit par devenir exactement le type d’homme que son père était autrefois. Les deux suites du film continuent d’explorer ces thèmes forts de l’héritage familial, mais la réimagination du premier film reste la plus indélébile.
« Retour vers le futur » (1985)
Beaucoup se demandent probablement ce que ce serait de rencontrer leurs parents en tant que pairs. « Retour vers le futur » dramatise cette pensée mélancolique comme une comédie de science-fiction classique et froide, ramenant le rebelle Marty Mcfly (Michael J. Fox) de 1985 aux années 50, lorsque ses parents étaient défoncés. à l’école et je tombe bientôt amoureux. Sa présence complique cette histoire, car il rend sa mère (Lea Thompson) chaude pour lui et est obligé d’instruire son père ringard George (Crispin Glover) sur la façon de le faire tomber. Alors que la relation la plus emblématique du film de Robert Zemeckis est celle entre Marty et son père de substitution Doc Brown (Christopher Lloyd), l’étrange amitié entre l’adolescent déplacé dans le temps et son futur père est la plus convaincante, en particulier dans les machinations de Marty. faites du pousseur le genre d’homme que son enfant respecte vraiment.
« Champ de rêves » (1989)
Le mec pleureur, « Field of Dreams » est à peu près le même terrain que celui que Kevin Costner tond pour construire un terrain de baseball. Cependant, si vous ne pleurez pas lorsque le fils torturé de Costner, Ray rencontre à nouveau le fantôme de son père (Dwier). Brown), tu es un peu mort à l’intérieur. Dramatisant les efforts de Ray pour traiter son ancienne relation à travers un drame de baseball dans lequel les fantômes de joueurs de baseball morts reviennent d’entre les morts pour un bon vieux match, le film de Phil Alden Robinson exploite l’iconographie masculine américaine classique pour raconter une histoire simple mais émouvante sur un homme. essayant de sortir de ses démons et de devenir un meilleur père et père de famille. C’est si sincèrement présenté et si doux qu’il peut réduire les critiques les plus sévères d’entre nous à pleurer des bébés.
« Le Roi Lion » (1994)
Dans Savannah de Shakespeare, Le Roi Lion distille toute la tragédie émotionnelle complexe et le désespoir du magnum opus du barde, Hamlet, pour zoomer sur l’arc central de la vengeance du protagoniste et être à la hauteur de l’héritage de son père. Oh, et Hamlet et le roi sont tous deux des lions qui parlent. L’énorme succès de Disney des années 90 est évidemment beaucoup plus familial que l’histoire du Prince du Danemark, mais il reste stimulant dans la quête de Simba pour devenir le roi dont son père Mufasa savait qu’il était capable. Cela vient en partie de la façon dont l’arc résonne auprès de tous ceux qui ont déjà ressenti la pression de porter fièrement leur nom de famille. La majeure partie de cela vient de James Earl Jones, dont la performance vocale emblématique et imposante en tant que Mufasa fait du Roi Lion une figure d’une telle autorité royale que n’importe qui pourrait dire qu’il aurait du mal à suivre ses traces (euh, empreintes de pattes).
« Attrape-moi si tu peux » (2002)
Avant de dramatiser le divorce de ses parents dans Les Fabelman en 2022, les films de Steven Spielberg se déroulent souvent absence sur les figures paternelles : regardez la mère célibataire « ET » qui élève ses enfants, ou la relation glaciale entre le personnage principal et son père dans « Indiana Jones et la dernière croisade ». De toutes les histoires de problèmes de papa que Spielberg a faites, la plus poignante est peut-être l’histoire voyous de « Arrête-moi si tu peux », mettant en vedette Leonardo DiCaprio dans le rôle d’un criminel de carrière qui s’en prend à son père (Christopher Walken). Bien que leur relation ait été tumultueuse, les flashbacks montrent que leur lien est chaleureux – Walken n’a jamais été aussi doux – et le moment où Frank de DiCaprio apprend la mort de son père est l’une des séquences les plus poignantes que Spielberg ait jamais mises à l’écran.
« Gros poisson » (2003)
Le dernier grand film de Tim Burton, Big Fish, est un film sur la rupture entre un père et son fils. Le personnage central du film, Edward Bloom (le jeune Ewan McGregor, l’adulte Albert Finney) est un menteur chronique dont les longues histoires aliènent son fils plus responsable, William (Billy Crudup). Lorsque William est obligé de prendre soin de son père alors qu’il meurt d’un cancer, il entend l’histoire fantastique et étrangement vraie d’Edward et, ce faisant, en vient à comprendre son père d’une manière qu’il n’avait jamais pu comprendre auparavant. Les films de Burton ont souvent du mal à relier sa capacité à créer des images mémorables et une esthétique fantaisiste à une histoire réelle ; associant son style décalé à une bonne vieille histoire de père et de fils, il a créé un film qui vous laissera perplexe.
« L’Arbre de Vie » (2011)
Lorsque « The Tree of Life » est sorti pour la première fois, certains l’ont considéré comme prétentieux et émotionnellement vide. Mais un simple visionnage du film montre clairement à quel point cette vision est erronée. Le dernier grand film de Terrence Malick est tout simplement le film le plus sincère et chaleureux qu’il ait jamais réalisé, une exploration du sens de la vie qui se concentre sur les souvenirs d’enfance d’un homme troublé, Jack. Au cœur des souvenirs de Jack de son enfance dans les années 50 se trouve sa relation distante avec son père, un homme souvent strict et hanté par des ambitions ratées. « L’Arbre de Vie » explore leur relation tendue avec des nuances et l’intègre dans la tapisserie plus large des origines de la vie humaine d’une manière qui semble presque mythique.
